El primer procedimiento fotográfico o heliográfico fue inventado por Niépce hacia 1824. Las imágenes eran obtenidas con betún de Judea, extendido sobre una placa de plata, luego de un tiempo de exposición de varios días.
En 1829, Niépce asocia a Louis Jacques Mandé Daguerre en sus investigaciones.
En 1832, ponen a punto, a partir del residuo de la destilación de la esencia de lavanda, un segundo procedimiento que produce imágenes con un tiempo de exposición de un día entero.
Niépce muere en 1833. Daguerre continúa trabajando solo e inventa, en 1838, el daguerrotipo, primer procedimiento que comprende una etapa de revelado. Una placa de plata recubierta de una fina capa de ioduro de plata era expuesta en la cámara oscura y luego sometida a la acción de vapores de mercurio que provocaban la aparición de la imagen latente invisible, formada en el curso de la exposición a la luz.
Este revelado consistía en una gran amplificación del efecto de la luz, con lo cual el tiempo de exposición no pasaba de los 30 minutos. El fijado era obtenido por inmersión en agua, saturada de sales marinas.
Hippolyte Bayard
En julio de 1839, otro francés, Hippolyte Bayard, descubre el medio de obtener imágenes positivas directamente sobre papel. Un papel recubierto de cloruro de plata era oscurecido a la luz y luego expuesto en la cámara oscura después de haber sido impregnado en Ioduro de plata. El tiempo de exposición era de treinta minutos a dos horas.
William Henry Fox Talbot
Siempre en 1839, el anuncio del invento del daguerrotipo incitó al inglés William Henry Fox Talbot a retomar las investigaciones interrumpidas cuyos comienzos remontaban a 1834. En 1841, patentó el calotipo, primer procedimiento negativo/positivo que permitía la multiplicación de una misma imagen gracias a la obtención de un negativo intermediario sobre un papel al cloruro de plata, vuelto translúcido gracias a la cera. Como con el daguerrotipo, la imagen latente era revelada luego, por medio de un producto químico, el revelador: una solución de ácido gálico y de nitrato de plata. Una segunda hoja de papel recubierta también de cloruro de plata era mas tarde expuesta a través del negativo translúcido, para dar el positivo final.
John Herschell
En 1839 se le debe a John Herschell el descubrimiento del medio para fijar las imágenes, sumergiéndolas en un baño de hiposulfito de sodio, el mismo componente esencial de los fijadores fotográficos actuales. Las ventajas del calotipo reposaban principalmente en la facilidad de la manipulación de las copias sobre papel y de la posibilidad de reproducción múltiple. En revancha, la definición , limitada por la presencia de las fibras del papel negativo, no podía rivalizar con el daguerrotipo.
Hippolyte Fizeau
Para reducir aún más el tiempo de exposición, se crearon objetivos de focales cortas, mas luminosos, por lo tanto, conservando la nitidez en toda la imagen. En 1841, el físico Fizeau reemplazó el ioduro de plata por el bromuro de plata cuya sensibilidad a la luz es muy superior. Nada más que algunos segundos de exposición eran suficientes para obtener un daguerrotipo. Entonces tomar retratos se volvía posible.
Abel Niépce de Saint-Victor
Con el fin de mejorar la transparencia del calotipo negativo, Abel Niépce de Saint Victor, primo de Niépce, descubrió en 1847 la forma de reemplazar el papel por el vidrio. Para que el bromuro de plata pueda adherirse al vidrio, tuvo la idea de mezclarlo con la albúmina (el blanco del huevo). Aunque un poco contrastadas, la imágenes se volvieron extremadamente precisas, obligando a los ópticos a poner a punto objetivos aún mas eficientes.
Scott Archer
En 1851, el inglés Scott Archer reemplazó la albúmina por el colodión cuya base es el algodón pólvora. Las imágenes blanco y negro obtenidas por este procedimiento alcanzaron una calidad nunca más obtenida. Con el inconveniente, de que la toma debía tener lugar mientras que la placa estaba aún húmeda y que el revelado debía efectuarse inmediatamente después.
Richard Maddox et Charles Bennet
En 1871, otro británico, Richard Meaddox, remedió ese problema reemplazando al Colodión por la gelatina, procedimiento perfeccionado por Charles Bennet quien demostró que las placas gelatinizadas adquirían una gran sensibilidad cuando uno las mantenía durante varios días a 32° C. Las placas al gelatino-bromuro no solo podían ser almacenadas antes de usarse, sino que su sensibilidad era tal, que la exposición no excedía de la fracción de segundo.
Por esa razón, poco antes de 1880, comienza la historia del obturador, porque la alta sensibilidad de las placas necesitaba de la concepción de mecanismos capaces de dejar entrar la luz en la cámara durante solo un centésimo y aún un milésimo de segundo. Debía evaluarse precisamente la intensidad de la luz y así el fotómetro se convirtió en un verdadero instrumento de medida.
Georges Eastman
El estadounidense Georges Eastman, fundador de Kodak, concebirá en 1888, la idea de un soporte blando. Las placas de vidrio serán progresivamente reemplazadas por los rollos de celuloide.
La reproducción de los colores
Le faltaba todavía a la fotografía, la reproducción de los colores. Las primeras tentativas fueron la iniciativa de Edmond Becquerel en 1848, luego la de Niépce de Saint Victor, en 1851, quienes demostraron que una placa de plata recubierta de cloruro de plata puro reproducía directamente los colores, aunque de manera inestable.
En 1869, Louis Ducos du Hauron logra, en Agen, la primera fotografía en colores aplicando el principio demostrado por Maxwell de la descomposición de la luz por intermedio de los tres colores fundamentales, el rojo, el amarillo y el azul. Este realizó tres fotografías de un mismo tema, a través de un filtro respectivamente rojo, azul y amarillo. De estos obtuvo tres positivos del mismo color de cada uno de los filtros utilizados. Superponiendo exactamente las tres imágenes, obtuvo la restitución de los colores.
El físico Gabriel Lippman recibió el Premio Nobel en 1906, por haber descubierto en 1891, el medio de obtener fotografías directamente en colores sobre una misma placa, por medio de un procedimiento interferencial que ya prefiguraba la holografía. Demasiado compleja, esta invención no trascendió el estadio del laboratorio.
El primer procedimiento mono placa color que pudo ser utilizado por aficionados nació en 1906. El autocromo inventado por los hermanos Lumière retomaba el principio de la síntesis de tricromía lograda esta vez en un sola placa por medio del añadido de un mosaico de micro filtros de tres colores realizado gracias a granos de fécula de papa.
El descubrimiento del revelador cromógeno por R. Fisher desde 1911, ofreció a la fotografía en color una nueva dirección. Se había observado que algunos reveladores producían imágenes con un color dominante en lugar de un blanco y negro neutros.
El principio tri cromo fue retomado por la Empresa Agfa para poner a punto en 1936, las películas Agfacolor, constituidas de tres capas superpuestas sensibles respectivamente al azul, verde y rojo. Fue puesto a punto un revelador que coloreaba las capas según el color de su sensibilidad. Así, la posibilidad de reproducir los colores produjo mejoras en las ópticas, para transmitir fielmente en la película, los colores del objeto.
En 1935 dos americanos L. Mannès y L. Godowsky mejoraron el procedimiento. Comprado por Kodak, tomó el nombre de Kodachrome. Aunque nuestras películas color actuales sean muy sofisticadas, no impide que tengan que acudir siempre al bromuro de plata, a la gelatina así como al principio de base del Agfacolor y del Ko
Géneros de la fotografía: qué son y cuántos existen.
A pesar de inmortalizar momentos en imágenes, el mundo de la fotografía no es estático. Evoluciona y cambia como lo hace el sector de la tecnología y la misma sociedad. Por ello, los géneros fotográficos son también cambiantes. Pero, vamos por partes.
Para empezar, los géneros fotográficos son categ Para empezar, los géneros fotográficos son categorías o divisiones que aúnan obras fotográficas teniendo en cuenta diferentes factores que pueden ser la temática, la técnica, el sujeto, etc. A pesar de que podríamos encontrar decenas de géneros fotográficos, a continuación, exponemos las clasificaciones más comunes e identificables.
1-. Retrato
Es uno de los géneros de la fotografía más reconocibles y por el que prácticamente todos pasamos. Deriva directamente de la pintura y es la representación del cuerpo y cara humano
2-. Reportaje
Uno de los géneros que no deriva directamente de la pintura. Es el tipo de género que hace referencia a las fotografías o series fotográficas que buscan documentar o ilustrar situaciones o realidades puntuales con diferentes objetivos tales como informar, ilustrar o estudiar algún suceso.
3-. Naturaleza Muerta
También originaria del arte y la pintura, este es otro de los géneros fotográficos que debes conocer. Es el que retrata bodegones, u objetos inanimados preparados y dispuestos especialmente para la foto.
4-. Paisaje
Cuando vemos un paisaje que nos fascina, todos sentimos el impulso de inmortalizarlo. El género de fotografía de paisaje es también un derivado de la pintura y es el que captura espacios naturales, urbanos, rurales o elementos que conforman estos espacios. Por ejemplo, formarían parte de la fotografía de paisaje las especialidades en arquitectura, submarina…
5-. Publicitaria
Otro de los géneros fotográficos que debes conocer es la foto publicitaria. Este ámbito, como su propio nombre indica, está especialmente enfocado al mundo de la publicidad. En este ámbito, el fotógrafo trabaja codo a codo con otros profesionales como el diseñador, el publicista o modelos.
6-. Nocturna
La fotografía nocturna es una especialidad que requiere de técnica y equipo tecnológico. En este género se puede fotografiar cualquier objeto, paisaje o cosa.
7-. Aérea
Se podría considerar un subgrupo de la fotografía de paisajes, pero este género de fotografía merece un apartado exclusivo por tratarse de una fotografía única y especial que se realiza desde las alturas. Su objetivo puede ser meramente estético o, por lo contrario, esta fotografía puede dotarnos de información geográfica, agrícola o paisajística.
8-. Científica
La fotografía científica, conocida también como fotografía aplicada, es la especialidad que se dedica a obtener información y datos valiosos en cuanto a ciencia se refiere. Por ejemplo, se incluirían en este género las fotos médicas o las imágenes
Los planos fotográficos en función del modelo.
Estos planos se construyen en relación a la proporción del cuerpo humano. Se logran en la medida en que nos acercamos o alejamos del modelo.
1
También se le conoce como panorámico, pues es el más abierto de todos los planos. Sirve para describir y ubicar muy bien el lugar donde sucede la foto. Los personajes tienen poca importancia y solo sirven como referencia del tamaño de los edificios o de los elementos naturales. En general se usa para paisajes o escenas urbanas. Pero hay excepciones, por ejemplo, si quieres transmitir el sentimiento de soledad, la foto de una persona en medio de un enorme espacio abierto puede dar esa sensación.
Foto: Canva
El gran plano general no necesariamente debe usar formato panorámico. Más bien habla de la distancia entre el fotógrafo y los objetos que conforman la imagen.
Tip de experto: El objetivo ideal para estas tomas es un gran angular o un ojo de pescado.
2. Plano general
Es descriptivo porque es muy abierto, permite contemplar al modelo de cuerpo completo pero también da información sobre el contexto. Al igual que el gran plano general se utiliza para tomas de paisajes, y aunque el fondo sigue siendo lo más importante, ya no es tan impersonal. Se utiliza principalmente en fotografía documental y de viajes.
Foto: Canva
El modelo sirve para tener una proporción del tamaño de las demás cosas de la imagen.
Tip de experto: Para lograr este tipo de planos te recomendamos usar un objetivo gran angular y ubicarte estratégicamente en un punto alto.
3. Plano entero
Este plano logra que la atención se centre en el modelo, lo abarca de pies a cabeza sin cortar ninguna parte de su cuerpo. En este plano eres capaz de reconocer todas las características del modelo y un poco del contexto donde se sitúa.
Foto: Canva
En este plano, la modelo tiene casi la misma importancia que el fondo.
Tip de experto: Lo que más importa es la expresividad que el modelo logre con la posición de su cuerpo, pues su cara no estará tan detallada.
Puedes ver tips para dirigir a los modelos en el post Guía completa para tomar los retratos más pro.
4. Plano americano
El origen de todos los planos viene de la teoría cinematográfica, pero la historia del plano americano es la más popular porque viene de los westerns americanos: este plano de ¾ permitía un buen encuadre de las cartucheras de los vaqueros. Encuadra desde la cabeza hasta medio muslo, ligeramente por encima de las rodillas. Está totalmente centrado en el modelo, se distingue su rostro y también la posición de su cuerpo.
Foto: Canva
Los planos marcan pautas generales pero la creatividad del fotógrafo es la que marca las pautas finales.
Tip de experto: No cortes a tu modelo exactamente en las rodillas pues acorta la figura y no es estético. Además, técnicamente se considera un error.
5. Plano medio largo
Corta al modelo a la altura de la cadera. A partir de este encuadre debes cuidar mucho dónde coloca las manos tu modelo, pues se ve muy mal si salen cortadas.
Foto: Canva
Puedes dejar las manos fuera del encuadre o incluirlas, pero evita cortarlas a la mitad.
Tip de experto: No sitúes a tu modelo frontalmente respecto a la cámara pues harás que su silueta luzca pesada.
6. Plano medio
Abarca de la cabeza a la cintura del modelo. Puesto que este tipo de plano permite tener más detalle de las expresiones del rostro, se utiliza mucho en moda y en retratos formales, por ejemplo, el que se pone en el CV. Se considera un retrato intermedio, ya con cierto grado de intimidad entre el modelo y el fotógrafo.
Foto: Canva
Encuadrar utilizando los planos preestablecidos no debe limitar las poses de tu modelo.
Tip de experto: A partir de este plano puedes usar un objetivo 50mm porque no deforma la cara de las personas y logra una buena profundidad de campo.
7. Plano medio corto
El modelo capta toda la atención en este encuadre. Del fondo se obtiene muy poca información, solo sirve para enmarcar al sujeto. Para lograr este plano debes cortar justo por debajo del pecho del modelo. La sensibilidad del fotógrafo es muy importante en este encuadre, porque si el corte no está bien hecho puede generar fotos raras, sobre todo si la modelo es mujer.
Foto: Canva
Este encuadre se puede utilizar para fotos de moda porque se ven con detalle la ropa y los accesorios de la modelo.
Tip de experto: Nunca cortes justo sobre las articulaciones de los modelos, como rodillas o codos, porque se ven como mutilados. Si el modelo tiene los brazos estirados, deberás cortarlos a la mitad del antebrazo (antes del codo).
8. Primer plano
Por su cercanía permite hacer retratos más expresivos, porque detalla todos los aspectos del rostro. Encuadra la cabeza del modelo hasta sus hombros para conseguirlo.
Foto: Canva
Por la cercanía, resalta los rasgos del rostro; bien llevado puede transmitir diferentes emociones.
Tip de experto: Para obtener buenos retratos, platica con tu modelo sobre lo que esperas conseguir en las fotos y mantén un ambiente relajado.
9. Primerísimo primer plano
Todo el encuadre está ocupado por la cara del modelo. Es un retrato sumamente emocional, íntimo y expresivo.
Foto: Canva
El foco de este tipo de retratos generalmente se encuentra en los ojos de tu modelo.
Tip de experto: Corta justo por debajo de la barbilla del modelo o antes de llegar a sus hombros.
10. Plano de detalle
La foto se centra en una pequeña porción de tu modelo: pueden ser los ojos, las manos o lo que llame tu atención.
Foto: Canva
Busca la belleza en cosas simples como colores o texturas.
Tip de experto: Puedes utilizar un objetivo macro para lograr planos de detalle extremos.
Planos fotográficos en función del ángulo de la cámara
Estos planos se logran por la ubicación de la cámara en relación al modelo o al objeto al que estamos fotografiando.
11. Plano cenital
La cámara se coloca encima del modelo en un ángulo de 90 grados. Para modelos resulta una toma incómoda, pero es muy estético para fotos de comida y objetos en general.
Foto: Canva
Una foto de alimentos necesita algunos elementos decorativos a su alrededor para que no se vea vacía.
Tip de experto: Utiliza una iluminación dura para obtener sombras, volumen y texturas.
12. Plano picado
La cámara está encima de los modelos pero en un ángulo más abierto que el cenital. Este plano se utiliza para abarcar un escena desde un punto de vista original o para acentuar el tamaño pequeño de niños o mascotas.
Foto: Canva
Si tu toma es abierta puede tener mucha información y aún así verse bien.
Tip de experto: Al aplicar este plano a modelos, la cámara debe estar justo encima de sus ojos ligeramente angulada hacia abajo.
13. Plano normal
La cámara se coloca paralela al suelo y de frente al modelo u objeto. Es la forma habitual de mirar, por lo que evoca estabilidad, familiaridad y confianza.
Foto: Canva
Colócate a la altura de diferentes modelos para obtener tomas interesantes, no tengas miedo de acercarte.
Tip de experto: En el caso de retratos, sitúa la cámara a la altura de los ojos del modelo.
14. Plano contrapicado
En este plano debes situar la cámara por debajo del personaje y ligeramente de costado. De esta manera se ve más grande de lo que es en realidad y se le puede atribuir un significado de grandiosidad, poder o importancia.
Foto: Ant Rozetsky
Este plano sirve para exagerar acciones.
Tip de experto: Sitúa la cámara por debajo de los ojos del personaje y ligeramente angulada hacia arriba.
15. Plano nadir
Es aún más radical que la contrapicada, pues la cámara se sitúa por debajo del modelo perpendicular al suelo. Le otorga al personaje proporciones casi irreales.
Foto: Alan Molina.
El objetivo de este tipo de planos es jugar con las proporciones.
Tip de experto: Usa un lente ojo de pescado para fotografías nadir de edificios y obtendrás efectos impresionantes.
Juega con los planos fotográficos
Foto por Brandon Morgan
Lo más importante es experimentar. No tengas miedo de moverte, de acercarte a tu modelo, de agacharte, de estirarte o subirte a una silla o lo que encuentres a tu alrededor para lograr el plano que estás buscando. Pierde el miedo a ensuciarte, arriésgate un poco para lograr las mejores tomas. Cuando veas los resultados, todo habrá valido la pena. Ahora que ya eres experto en temas de planos fotográficos, experimenta añadiendo filtros y efectos con nuestro edito
Planos fotográficos en función de la posición del modelo
Estos planos se construyen en relación a la proporción del cuerpo humano. Se logran en la medida en que nos acercamos o alejamos del modelo.
1. Gran plano general
También se le conoce como panorámico, pues es el más abierto de todos los planos. Sirve para describir y ubicar muy bien el lugar donde sucede la foto. Los personajes tienen poca importancia y solo sirven como referencia del tamaño de los edificios o de los elementos naturales. En general se usa para paisajes o escenas urbanas. Pero hay excepciones, por ejemplo, si quieres transmitir el sentimiento de soledad, la foto de una persona en medio de un enorme espacio abierto puede dar esa sensación.
Foto: Canva
El gran plano general no necesariamente debe usar formato panorámico. Más bien habla de la distancia entre el fotógrafo y los objetos que conforman la imagen.
Tip de experto: El objetivo ideal para estas tomas es un gran angular o un ojo de pescado.
2. Plano general
Es descriptivo porque es muy abierto, permite contemplar al modelo de cuerpo completo pero también da información sobre el contexto. Al igual que el gran plano general se utiliza para tomas de paisajes, y aunque el fondo sigue siendo lo más importante, ya no es tan impersonal. Se utiliza principalmente en fotografía documental y de viajes.
Foto: Canva
El modelo sirve para tener una proporción del tamaño de las demás cosas de la imagen.
Tip de experto: Para lograr este tipo de planos te recomendamos usar un objetivo gran angular y ubicarte estratégicamente en un punto alto.
3. Plano entero
Este plano logra que la atención se centre en el modelo, lo abarca de pies a cabeza sin cortar ninguna parte de su cuerpo. En este plano eres capaz de reconocer todas las características del modelo y un poco del contexto donde se sitúa.
Foto: Canva
En este plano, la modelo tiene casi la misma importancia que el fondo.
Tip de experto: Lo que más importa es la expresividad que el modelo logre con la posición de su cuerpo, pues su cara no estará tan detallada.
Puedes ver tips para dirigir a los modelos en el post Guía completa para tomar los retratos más pro.
4. Plano americano
El origen de todos los planos viene de la teoría cinematográfica, pero la historia del plano americano es la más popular porque viene de los westerns americanos: este plano de ¾ permitía un buen encuadre de las cartucheras de los vaqueros. Encuadra desde la cabeza hasta medio muslo, ligeramente por encima de las rodillas. Está totalmente centrado en el modelo, se distingue su rostro y también la posición de su cuerpo.
Foto: Canva
Los planos marcan pautas generales pero la creatividad del fotógrafo es la que marca las pautas finales.
Tip de experto: No cortes a tu modelo exactamente en las rodillas pues acorta la figura y no es estético. Además, técnicamente se considera un error.
5. Plano medio largo
Corta al modelo a la altura de la cadera. A partir de este encuadre debes cuidar mucho dónde coloca las manos tu modelo, pues se ve muy mal si salen cortadas.
Foto: Canva
Puedes dejar las manos fuera del encuadre o incluirlas, pero evita cortarlas a la mitad.
Tip de experto: No sitúes a tu modelo frontalmente respecto a la cámara pues harás que su silueta luzca pesada.
6. Plano medio
Abarca de la cabeza a la cintura del modelo. Puesto que este tipo de plano permite tener más detalle de las expresiones del rostro, se utiliza mucho en moda y en retratos formales, por ejemplo, el que se pone en el CV. Se considera un retrato intermedio, ya con cierto grado de intimidad entre el modelo y el fotógrafo.
Foto: Canva
Encuadrar utilizando los planos preestablecidos no debe limitar las poses de tu modelo.
Tip de experto: A partir de este plano puedes usar un objetivo 50mm porque no deforma la cara de las personas y logra una buena profundidad de campo.
7. Plano medio corto
El modelo capta toda la atención en este encuadre. Del fondo se obtiene muy poca información, solo sirve para enmarcar al sujeto. Para lograr este plano debes cortar justo por debajo del pecho del modelo. La sensibilidad del fotógrafo es muy importante en este encuadre, porque si el corte no está bien hecho puede generar fotos raras, sobre todo si la modelo es mujer.
Foto: Canva
Este encuadre se puede utilizar para fotos de moda porque se ven con detalle la ropa y los accesorios de la modelo.
Tip de experto: Nunca cortes justo sobre las articulaciones de los modelos, como rodillas o codos, porque se ven como mutilados. Si el modelo tiene los brazos estirados, deberás cortarlos a la mitad del antebrazo (antes del codo).
8. Primer plano
Por su cercanía permite hacer retratos más expresivos, porque detalla todos los aspectos del rostro. Encuadra la cabeza del modelo hasta sus hombros para conseguirlo.
Foto: Canva
Por la cercanía, resalta los rasgos del rostro; bien llevado puede transmitir diferentes emociones.
Tip de experto: Para obtener buenos retratos, platica con tu modelo sobre lo que esperas conseguir en las fotos y mantén un ambiente relajado.
9. Primerísimo primer plano
Todo el encuadre está ocupado por la cara del modelo. Es un retrato sumamente emocional, íntimo y expresivo.
Foto: Canva
El foco de este tipo de retratos generalmente se encuentra en los ojos de tu modelo.
Tip de experto: Corta justo por debajo de la barbilla del modelo o antes de llegar a sus hombros.
10. Plano de detalle
La foto se centra en una pequeña porción de tu modelo: pueden ser los ojos, las manos o lo que llame tu atención.
Foto: Canva
Busca la belleza en cosas simples como colores o texturas.
Tip de experto: Puedes utilizar un objetivo macro para lograr planos de detalle extremos.
Planos fotográficos en función del ángulo de la cámara
Estos planos se logran por la ubicación de la cámara en relación al modelo o al objeto al que estamos fotografiando.
11. Plano cenital
La cámara se coloca encima del modelo en un ángulo de 90 grados. Para modelos resulta una toma incómoda, pero es muy estético para fotos de comida y objetos en general.
Foto: Canva
Una foto de alimentos necesita algunos elementos decorativos a su alrededor para que no se vea vacía.
Tip de experto: Utiliza una iluminación dura para obtener sombras, volumen y texturas.
12. Plano picado
La cámara está encima de los modelos pero en un ángulo más abierto que el cenital. Este plano se utiliza para abarcar un escena desde un punto de vista original o para acentuar el tamaño pequeño de niños o mascotas.
Foto: Canva
Si tu toma es abierta puede tener mucha información y aún así verse bien.
Tip de experto: Al aplicar este plano a modelos, la cámara debe estar justo encima de sus ojos ligeramente angulada hacia abajo.
13. Plano normal
La cámara se coloca paralela al suelo y de frente al modelo u objeto. Es la forma habitual de mirar, por lo que evoca estabilidad, familiaridad y confianza.
Foto: Canva
Colócate a la altura de diferentes modelos para obtener tomas interesantes, no tengas miedo de acercarte.
Tip de experto: En el caso de retratos, sitúa la cámara a la altura de los ojos del modelo.
14. Plano contrapicado
En este plano debes situar la cámara por debajo del personaje y ligeramente de costado. De esta manera se ve más grande de lo que es en realidad y se le puede atribuir un significado de grandiosidad, poder o importancia.
Foto: Alan Molina.
El objetivo de este tipo de planos es jugar con las proporciones.
Tip de experto: Usa un lente ojo de pescado para fotografías nadir de edificios y obtendrás efectos impresionantes.
Juega con los planos fotográficos
Foto por Brandon Morgan
Lo más importante es experimentar. No tengas miedo de moverte, de acercarte a tu modelo, de agacharte, de estirarte o subirte a una silla o lo que encuentres a tu alrededor para lograr el plano que estás buscando. Pierde el miedo a ensuciarte, arriésgate un poco para lograr las mejores tomas. Cuando veas los resultados, todo habrá valido la pena. Ahora que ya eres experto en temas de planos fotográficos, experimenta añadiendo filtros y efectos con nuestro editor de fotos.
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Planos fotográficos en función de la posición del modelo
Estos planos se construyen en relación a la proporción del cuerpo humano. Se logran en la medida en que nos acercamos o alejamos del modelo.
1. Gran plano general
También se le conoce como panorámico, pues es el más abierto de todos los planos. Sirve para describir y ubicar muy bien el lugar donde sucede la foto. Los personajes tienen poca importancia y solo sirven como referencia del tamaño de los edificios o de los elementos naturales. En general se usa para paisajes o escenas urbanas. Pero hay excepciones, por ejemplo, si quieres transmitir el sentimiento de soledad, la foto de una persona en medio de un enorme espacio abierto puede dar esa sensación.
Foto: Canva
El gran plano general no necesariamente debe usar formato panorámico. Más bien habla de la distancia entre el fotógrafo y los objetos que conforman la imagen.
Tip de experto: El objetivo ideal para estas tomas es un gran angular o un ojo de pescado.
2. Plano general
Es descriptivo porque es muy abierto, permite contemplar al modelo de cuerpo completo pero también da información sobre el contexto. Al igual que el gran plano general se utiliza para tomas de paisajes, y aunque el fondo sigue siendo lo más importante, ya no es tan impersonal. Se utiliza principalmente en fotografía documental y de viajes.
Foto: Canva
El modelo sirve para tener una proporción del tamaño de las demás cosas de la imagen.
Tip de experto: Para lograr este tipo de planos te recomendamos usar un objetivo gran angular y ubicarte estratégicamente en un punto alto.
3. Plano entero
Este plano logra que la atención se centre en el modelo, lo abarca de pies a cabeza sin cortar ninguna parte de su cuerpo. En este plano eres capaz de reconocer todas las características del modelo y un poco del contexto donde se sitúa.
Foto: Canva
En este plano, la modelo tiene casi la misma importancia que el fondo.
Tip de experto: Lo que más importa es la expresividad que el modelo logre con la posición de su cuerpo, pues su cara no estará tan detallada.
Puedes ver tips para dirigir a los modelos en el post Guía completa para tomar los retratos más pro.
4. Plano americano
El origen de todos los planos viene de la teoría cinematográfica, pero la historia del plano americano es la más popular porque viene de los westerns americanos: este plano de ¾ permitía un buen encuadre de las cartucheras de los vaqueros. Encuadra desde la cabeza hasta medio muslo, ligeramente por encima de las rodillas. Está totalmente centrado en el modelo, se distingue su rostro y también la posición de su cuerpo.
Foto: Canva
Los planos marcan pautas generales pero la creatividad del fotógrafo es la que marca las pautas finales.
Tip de experto: No cortes a tu modelo exactamente en las rodillas pues acorta la figura y no es estético. Además, técnicamente se considera un error.
5. Plano medio largo
Corta al modelo a la altura de la cadera. A partir de este encuadre debes cuidar mucho dónde coloca las manos tu modelo, pues se ve muy mal si salen cortadas.
Foto: Canva
Puedes dejar las manos fuera del encuadre o incluirlas, pero evita cortarlas a la mitad.
Tip de experto: No sitúes a tu modelo frontalmente respecto a la cámara pues harás que su silueta luzca pesada.
6. Plano medio
Abarca de la cabeza a la cintura del modelo. Puesto que este tipo de plano permite tener más detalle de las expresiones del rostro, se utiliza mucho en moda y en retratos formales, por ejemplo, el que se pone en el CV. Se considera un retrato intermedio, ya con cierto grado de intimidad entre el modelo y el fotógrafo.
Foto: Canva
Encuadrar utilizando los planos preestablecidos no debe limitar las poses de tu modelo.
Tip de experto: A partir de este plano puedes usar un objetivo 50mm porque no deforma la cara de las personas y logra una buena profundidad de campo.
7. Plano medio corto
El modelo capta toda la atención en este encuadre. Del fondo se obtiene muy poca información, solo sirve para enmarcar al sujeto. Para lograr este plano debes cortar justo por debajo del pecho del modelo. La sensibilidad del fotógrafo es muy importante en este encuadre, porque si el corte no está bien hecho puede generar fotos raras, sobre todo si la modelo es mujer.
Foto: Canva
Este encuadre se puede utilizar para fotos de moda porque se ven con detalle la ropa y los accesorios de la modelo.
Tip de experto: Nunca cortes justo sobre las articulaciones de los modelos, como rodillas o codos, porque se ven como mutilados. Si el modelo tiene los brazos estirados, deberás cortarlos a la mitad del antebrazo (antes del codo).
8. Primer plano
Por su cercanía permite hacer retratos más expresivos, porque detalla todos los aspectos del rostro. Encuadra la cabeza del modelo hasta sus hombros para conseguirlo.
Foto: Canva
Por la cercanía, resalta los rasgos del rostro; bien llevado puede transmitir diferentes emociones.
Tip de experto: Para obtener buenos retratos, platica con tu modelo sobre lo que esperas conseguir en las fotos y mantén un ambiente relajado.
9. Primerísimo primer plano
Todo el encuadre está ocupado por la cara del modelo. Es un retrato sumamente emocional, íntimo y expresivo.
Foto: Canva
El foco de este tipo de retratos generalmente se encuentra en los ojos de tu modelo.
Tip de experto: Corta justo por debajo de la barbilla del modelo o antes de llegar a sus hombros.
10. Plano de detalle
La foto se centra en una pequeña porción de tu modelo: pueden ser los ojos, las manos o lo que llame tu atención.
Foto: Canva
Busca la belleza en cosas simples como colores o texturas.
Tip de experto: Puedes utilizar un objetivo macro para lograr planos de detalle extremos.
Planos fotográficos en función del ángulo de la cámara
Estos planos se logran por la ubicación de la cámara en relación al modelo o al objeto al que estamos fotografiando.
11. Plano cenital
La cámara se coloca encima del modelo en un ángulo de 90 grados. Para modelos resulta una toma incómoda, pero es muy estético para fotos de comida y objetos en general.
Foto: Canva
Una foto de alimentos necesita algunos elementos decorativos a su alrededor para que no se vea vacía.
Tip de experto: Utiliza una iluminación dura para obtener sombras, volumen y texturas.
12. Plano picado
La cámara está encima de los modelos pero en un ángulo más abierto que el cenital. Este plano se utiliza para abarcar un escena desde un punto de vista original o para acentuar el tamaño pequeño de niños o mascotas.
Foto: Canva
Si tu toma es abierta puede tener mucha información y aún así verse bien.
Tip de experto: Al aplicar este plano a modelos, la cámara debe estar justo encima de sus ojos ligeramente angulada hacia abajo.
13. Plano normal
La cámara se coloca paralela al suelo y de frente al modelo u objeto. Es la forma habitual de mirar, por lo que evoca estabilidad, familiaridad y confianza.
Foto: Canva
Colócate a la altura de diferentes modelos para obtener tomas interesantes, no tengas miedo de acercarte.
Tip de experto: En el caso de retratos, sitúa la cámara a la altura de los ojos del modelo.
14. Plano contrapicado
En este plano debes situar la cámara por debajo del personaje y ligeramente de costado. De esta manera se ve más grande de lo que es en realidad y se le puede atribuir un significado de grandiosidad, poder o importancia.
Foto: Ant Rozetsky
Este plano sirve para exagerar acciones.
Tip de experto: Sitúa la cámara por debajo de los ojos del personaje y ligeramente angulada hacia arriba.
15. Plano nadir
Es aún más radical que la contrapicada, pues la cámara se sitúa por debajo del modelo perpendicular al suelo. Le otorga al personaje proporciones casi irreales.
Foto: Alan Molina.
El objetivo de este tipo de planos es jugar con las proporciones.
Tip de experto: Usa un lente ojo de pescado para fotografías nadir de edificios y obtendrás efectos impresionantes.
Juega con los planos fotográficos
Foto por Brandon Morgan
Lo más importante es experimentar. No tengas miedo de moverte, de acercarte a tu modelo, de agacharte, de estirarte o subirte a una silla o lo que encuentres a tu alrededor para lograr el plano que estás buscando. Pierde el miedo a ensuciarte, arriésgate un poco para lograr las mejores tomas. Cuando veas los resultados, todo habrá valido la pena. Ahora que ya eres experto en temas de planos fotográficos, experimenta añadiendo filtros y efectos con nuestro editor de fotos.
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